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Art by Telephone Recall

cneai= — 2012-09-10T07:50:00Z

Un programme d'enseignement autour de la « pratique d'interprétation » dans l'art contemporain

Une chronologie précise

Au début du 20e siècle l'art conceptuel n'existe pas encore. Dans le dernier quart du siècle, il s'incarnera dans une acception large, fondée sur l'affirmation de la primauté de l'idée sur la réalisation.

Cependant, très tôt dans le siècle, les prémices à ce courant artistique, qui n'a jamais pu se passer totalement de dispositifs formalisants, qui passent le plus souvent par la photographie, l'édition, l'emploi de diagrammes, de schémas, de fichiers, d'installations diverses, etc., sont déjà repérables. En 1913-1914, ce sont les 3 Stoppages étalon de Marcel Duchamp qui amorcent l'idée de l'art comme expérience ; tandis que peu après en 1922, c'est une suite de cinq œuvres réalisées sur porcelaine émaillée qui introduit dans l'art l'usage du langage sous sa forme parlée. Leur jeune auteur âgé de vingt-sept ans, Lászlò Moholy-Nagy, en dicte la réalisation par téléphone à une fabrique d'enseignes. L'artiste a sous les yeux le nuancier de l'usine et il esquisse ses peintures sur du papier millimétré. Á l'autre bout du fil, le fabricant, qui a devant lui une feuille identique, inscrit les formes énoncées par l'artiste. L'un des tableaux sera réalisé en trois tailles différentes, afin que l'artiste puisse étudier selon un mode constructiviste, rapports de couleurs et principes d'équilibre entre figures et fond, formes et contre-formes, triangles, cercles et carrés.

Aujourd'hui l'expérience des Telephone Pictures, plus couramment désignées par Telephone Paintings, semble très claire : célébrer l'univers mécanique et technologique que Lászlò Moholy-Nagy découvre à Berlin, et en même temps, ridiculiser la position de l'artiste créateur, le démettre de son expressivité.

Une exposition historique

Plus de quarante ans plus tard, en 1969, du 1er novembre au 14 décembre, une exposition collective à l'initiative de Jan van der Marck, directeur du Museum of Contemporary Art de Chicago prolonge cette expérience, en convoquant trente-sept artistes issus des tendances minimale et conceptuelle, de Fluxus ou encore du Pop Art. Les artistes sont Siah Armajani, Richard Artschwager, John Baldessari, Iain Baxter, Mel Bochner, George Brecht, Jack Burnham, James Lee Byars, Robert H. Cumming, Francoise Dallegret, Jan Dibbets, John Giorno, Robert Grosvenor, Hans Haacke, Richard Hamilton, Dick Higgins, Davi Det Hompson, Robert Huot, Alani Jacquet, Ed Kienholz, Joseph Kosuth, Les Levine, Sol LeWitt, Robert Morris, Bruce Nauman, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim, Richard Serra, Robert Smithson, Guenther Uecker, Stan Van Der Beek, Bernar Venet, Frank Lincoln Viner, Wolf Vostell, William Wegman et William T. Wiley.

Par téléphone, se déroule entre Jan van der Marck et chacun d'eux une conversation. L'échange enregistré recueille les instructions verbales de réalisation d'une œuvre destinée à être produite par délégation. Art by Telephone veut rendre compte d'une tendance pas encore hégémonique mais juste naissante, celle d'une « conceptualisation » de l'art. Tandis que le projet est aussi conçu et expérimenté par son commissaire comme un moyen économique de produire une exposition collective conséquente, beaucoup d'artistes proposent dans ce sens des œuvres conceptuelles matériellement modestes en termes de moyens (succinct conceptual works) qui sont parmi les premières de cette nature matérielle à être exposées dans un musée américain.

Un catalogue en forme de vinyl LP

La publication d'un vinyl LP d'une durée de 44 minutes, Art by Telephone, édité par le Museum of Contemporary Art, en 69 à cette occasion, et faisant office de catalogue d'exposition, grave définitivement l'exposition dans l'histoire de l'art comme un des exemples paroxystiques de l'usage du langage verbal dans l'art.

L'ombre portée de l'exposition, par le biais de l'édition d'un fac-simile du LP Art by Telephone, est visible à New York, en 2008 — où seule la pochette manquante est rééditée, en sérigraphie. Le prix élevé de l'objet fixé à 400 dollars n'oblitère néanmoins pas son statut initial de catalogue. Une exposition elle-même intitulée Art by Telephone (Chicago : Museum of Contemporary Art, 1969), à l'initiative de la galerie éditrice, Specific Object / David Platzker, dévoile dans le même temps selon ses consignes d'exécution enregistrées, Variation on Wall Drawing #26, l'œuvre de Sol LeWitt de 1969. Aujourd'hui, une version MP3 téléchargeable gratuitement de Art by Telephone est disponible sur le site ubu.com.

Une exposition contemporaine et un programme d'enseignement

A l'automne 2012, l'exposition Art by Telephone Recall conçue par les commissaires français Sébastien Pluot et Fabien Vallos s'affirme dans cette généalogie précise. La proposition historique portée par Jan van der Marck qui interrogeait les processus de réalisation et de création est ici mise à l'épreuve.

Art by Telephone Recall qui rejoue les principes de l'exposition de 1969 est aussi un projet plus vaste, qui comprend des moments différents. La présentation d'archives, soit les documents originaux relatifs à la réalisation des pièces et le catalogue sous forme de vinyl LP où figurent sur la pochette images de l'exposition, textes et description des œuvres ; le développement d'un programme de recherche autour de la réalisation déléguée d'œuvres et de la « pratique d'interprétation » que cela constitue. Ainsi qu'une série de rencontres sur des sujets liés à l'exposition : l'usage des technologies dans l'art, l'usage du document, la « traduction », l'interprétation et la « réactivation » des œuvres, l'émergence et les héritages contemporains de l'art conceptuel.

L'exposition qui se situe simultanément dans cinq lieux d'enseignement différents a aussi un caractère académique. Chaque étudiant concerné des écoles d'art d'Angers, Bordeaux, Nice, de l'université Paris 1 Pantheon-Sorbonne, du département de littérature comparée de l'université de Columbia et de la School of Visual art de New York, communique à distance les instructions d'une œuvre. Leurs contributions sont variées, elles prennent la forme de performances, de vidéos, de pièces sonores, de réalisations sculpturales, d'installations. Elles peuvent être aussi la reprise dictée des instructions pour une pièce historique de Mel Bochner, Hans Haacke ou de Bruce Nauman. L'exposition se déroule également au Cneai, au Capc ainsi que dans les salles d'exposition des écoles d'art d'Angers et Bordeaux.

Le projet envisage de s'étendre aussi à des artistes qui ont appartenu à la scène artistique des années soixante et soixante-dix mais qui n'avaient pas été sollicités comme Eleanor Antin, Robert Barry, Michael Asher, Jean Dupuis, Simone Forty, Christine Kozlov, Yvonne Rainer. Tandis que des artistes : AWC, Laurie Anderson, Dominique Blais, Christophe Berdaguer et Marie Péjus, Alejandro Cesarco, Omer Fast, Julie C. Fortier, Ryan Gander, Mark Geffriaud, Renée Green, Carsten Holler, Ben Kinmont, Silvia Kolbowski, Jiri Kovanda, Nicholas Knight, Pierre Leguillon, Jennifer Lacey, Louise Lawler, Rivane Neunschwander, Alejandra Riera, Émilie Perendeau, Will Potter, François Roche, Yann Sérandour dont le travail respectif dialogue aujourd'hui explicitement avec les problématiques soulevées, sont aussi sollicités.

Sébastien Pluot est historien de l'art et commissaire indépendant. Il enseigne et dirige le département de recherche « En traduction » à l'École supérieure d'art d'Angers.

Fabien Vallos est enseignant chercheur à l'École supérieure d'art d'Angers, à l'École d'enseignement supérieur d'art de Bordeaux et docteur de l'Université Paris IV Sorbonne en philosophie du langage.

Edith Colloque

cneai= — 2012-04-26T14:47:08Z

Le colloque international « Un atlas de la micro édition : quelles routes pour quels enjeux ? »

En mars 2012, à l'ESDHaR / Campus de Rouen, un colloque d'une journée organisé par le laboratoire Edith et intitulé « Un atlas de la micro édition : quelles routes pour quels enjeux ? » se fixe ainsi comme objectif de dresser un état des lieux des parcours empruntés par ces créations éditées dans les domaines de l'art et du design graphique. Soit encore dans le même temps, d'en identifier les différentes formes éditoriales, d'une frontière géographique à l'autre, en France comme dans le reste du monde.

Le colloque s'est tenu les jeudi 22 et vendredi 23 mars, à l'auditorium du musée des Beaux-arts de Rouen.

Atlas at Last

cneai= — 2012-04-25T14:37:11Z

A partir de La conquête de l'espace : Atlas à l'usage des artistes et des militaires de Marcel Broodthaers

Atlas at last est l'exposition produite par le laboratoire de recherche Edith, qui s'est tenue de mars à avril 2012 à l'ESADHAR / Campus de Rouen.
Elle s'appuie sur l'œuvre en forme de livre de Marcel Broodthaers La conquête de l'espace : Atlas à l'usage des artistes et des militaires et montre les réalisations d'une trentaine de jeunes artistes contemporains faisant écho à l'œuvre de 1975, tout en donnant l'occasion de se présenter comme une réflexion sur les modes d'exposition des éditions papier.
La plupart d'entre eux ont réalisé une œuvre spécifique, en forme de prototype potentiellement éditable. Un certain nombre de ces réalisations ont été produites sur place dans les ateliers d'impression de l'école d'art.
L'exposition et le colloque imaginés dans une complémentarité et simultanément témoignent bien pour le laboratoire Edith de l'importance de ne pas séparer recherche théorique et recherche plastique.

Les trente et un artistes participant à l'exposition Atlas at Last sont :
Morgane Allais, Gilles Balmet, Sophie Bouvier Auslânder, Leïla Brett, Lucie Calmon, Aurore Chassé, Guillaume Constantin, Jean-Baptiste Decavèle,, Rodolphe Delaunay, Benoît Delbecq, Marceline Delbecq, Morgane Fourey, Gilles Furtwängler, Marina Gadonneix, Guillaume Ginet, Michael Gûnzberger, Rainier Lericolais, David Liaudet Tom Molloy, Hyojin Moon, Simon Nicaise, Guillaume Viaud, Morgane Fourey, Guillaume Raoult, Simon Nicaise, Hyojin Moon, Simon Nicaise, Elise Parré, Clara Prioux, Guillaume Raoult, Philippe Rekacewicz, Batia Suter, Cannelle Tanc, Franca Trovato, Olivier Vary. Guillaume Viaud. Et Marcel Broodthaers.

machine

cneai= — 2012-04-15T00:08:00Z

A l'invitation du MAC/VAL, le Cneai propose une semaine d'atelier jeune public avec Aurélien Mole et Christophe Lemaitre en relation avec l'exposition d'IFP, "Le Théâtron des nuages".

Le principe de cet atelier de pratique et de découverte des collections du MAC/VAL, Musée d'art contemporain du Val de Marne et de l'exposition "Le Théâtron des nuages", consistait pour Aurélien Mole et Christophe Lemaitre de proposer aux enfants de s'emparer de techniques de création ou de reproduction d'images obsolètes (et liées à la période de production du groupe d'artistes IFP) : polaroid, télécran, machine à écrire et ASCII art, photocopie... pour documenter certaines œuvres de la collection du musée.

Les images produites par les enfants ont été utilisées pour illustrer la publication Machine, conçue par le graphiste Hugo Anglade autour d'un entretien avec le restaurateur d'œuvres d'art Benoît Dagron, spécialiste de l'art moderne et contemporain.

La publication elle-même, réalisée en risographie, rappelle le postulat de l'atelier puisque chaque titre est apposé manuellement sur chacun des exemplaire à l'aide de papier carbone.

Les noms de tous les participants de l'atelier (enfants, artistes, équipes du Cneai et du MAC/VAL) apparaissent sans distinction sur la couverture, classés simplement par ordre alphabétique.

Byron Bay

cneai= — 2012-04-10T12:10:42Z

Julien Carreyn, résidence au Centre hospitalier Théophile Roussel à Montesson

Julien Carreyn développe une œuvre plastique à partir des pratiques du dessin et de la photographie. Les travaux qu'il développe peuvent nécessiter l'immersion dans un territoire, tels ceux réalisés au Frac Champagne-Ardenne en 2011.

C'est dans l'idée de reproduire cette façon de travailler que le Centre hospitalier Théophile Roussel reçoit l'artiste. Ainsi durant un mois, Julien Carreyn vit et travaille de façon immersive. L'artiste saisit ce moment particulier pour se lier avec les personnes qui font la vie du centre, rentrer dans un dialogue avec son environnement et comprendre le fonctionnement de chaque unité d'accueil.

Durant cette période, l'artiste mène auprès de 3 unités, un cycle d'ateliers consacré à la création de paysages puis à leur photographie. Ce moment particulier lui permet également d'échanger avec patients et soignants dans son espace de travail installé au sein de la structure hospitalière.

Pour ces créations, l'artiste invite patients et soignants à utiliser des matériaux disponibles autour d'eux : pâte à modeler, allumettes, morceaux de sucre, plaques de verre pour composer des paysages en volume. Les moments de mise en place des paysages sont l'occasion pour l'artiste de sensibiliser les patients aux notions de perspective, profondeur, ligne d'horizon et de s'interroger avec le groupe sur la notion de réel et de sa représentation.

Les paysages composés sont ensuite photographiés par les participants eux-mêmes, en noir et blanc, dans un format panoramique. Julien Carreyn propose ainsi une initiation à la photographie avec des temps consacrés au fonctionnement de l'appareil photo, à la composition d'une photographie, à la lumière, au cadrage, à l'angle de vue, à la profondeur de champ. Les participants réalisent ensuite des séries de prises de vue, explorant différentes atmosphères, renforçant le potentiel imaginaire des paysages par des jeux de lumières ou de mises en perspective des volumes.

Les images de paysages réalisées sont commentées par les groupes, puis retouchées : des contrastes sont ajoutés, afin d'affirmer les différentes ambiances créées sur les photographies. Les visuels obtenus sont imprimés sur une imprimante Laser en petit format (8 x 5 cm) destinés aux participants. Une sélection de photographies est imprimée en grand format et à la fin du programme, exposée dans un lieu public de la ville de Montesson.

Ces paysages ont été réalisés avec les patients des unités Monet, Renoir, UAHA et UAPE du centre hospitalier.

Le projet est soutenu par la Drac et l'ARS-Agence régionale de santé, dans le cadre de l'appel à projets 2011 Culture à l'hôpital.

Écoutez l'intervention de Julien Carreyn dans l'émission d'Aude Lavigne La vignette, sur France Culture, à propos de l'exposition Byron Bay, Etc. au Cneai.

New(s)paper (1)

cneai= — 2012-03-19T10:53:16Z

Pierre Vanni, école maternelle Francis Julliand à Houilles ; écoles élémentaires Joliot-Curie à Saint-Cyr-L'école et Victor Hugo à Chatou

Tant dans ses réalisations que dans ses recherches graphiques, le graphiste Pierre Vanni s'intéresse à la représentation et aux formes que génèrent les nouvelles technologies de l'image. Cette problématique du numérique est au cœur des préoccupations actuelles du Cneai, qui initie sur plusieurs années un cycle de recherches sur les mutations du livre et de l'imprimé à l'heure des technologies numériques. Alors que les supports numériques deviennent les principaux instruments d'accès à l'information et entraînent un usage de l'écrit et de la lecture profondément modifié, plus rapide, basé sur les notions de liens et de participation, il s'agit de voir comment imprimé et numérique (print et net) interagissent, et comment la création visuelle et graphique, voire l'art, se saisit de cette révolution.

Ainsi en 2011 et 2012 pour débuter ce programme, Pierre Vanni est invité à conduire un grand projet consacré au devenir du format ancien du « newspaper » ou « journal ». Entouré d'élèves et de jeunes de l'Ile-de-France, ils devront imaginer ensemble ce que sera le format journal dans 10 ans.

Pour ce projet, le graphiste et les groupes se consacrent tout d'abord à une première phase d'étude, à partir d'exemples concrets, de la forme actuelle de la presse, sur ses supports tant papier que électronique : ses différentes mises en page, ses choix de hiérarchisation de l'information, ses registres de typographies, ses rapports particuliers entre l'imprimé et le net, etc. Cette étude préalable permet aux participants une sensibilisation aux usages et aux rapports typographiques, à la composition d'une mise en page, aux rapports textes / images, à la notion de chemin de fer, etc.

Par ailleurs, les élèves effectuent une recherche sur une problématique d'actualité, afin d'en anticiper les développements possibles dans les années futures. Forts de ces connaissances, les groupes proposent à Pierre Vanni des hypothèses graphiques d'un possible journal imprimé en 2022 et les rapports que celui-ci pourrait entretenir avec Internet. Les différentes hypothèses constituent ainsi le matériel d'un projet visuel et graphique que crée finalement Pierre Vanni, sous les formes « net » et « print ».

Le projet New(s)paper rassemble 11 groupes d'élèves autour de Pierre Vanni et des artistes-graphistes Samuel Bonnet, Marc Armand, Vincent de Hoÿm, Sébastien Bonnet, qu'il invite à se joindre à lui pour l'année scolaire 2011-2012. Le projet est finalisé dans un double objet d'édition, numérique et imprimé, prenant la forme éditoriale d'un journal, mutualisant les propositions de tous les groupes. Le journal édité à 1000 exemplaires est distribué à tous les participants, aux familles et aux établissements d'enseignement. Il sera visible au public lors d'une présentation au Cneai à Chatou.

Ce programme est soutenu par la Drac / Sdat, dispositif Fédérateurs, le Rectorat de Versailles, l'Inspection académique des Yvelines et le Dicréam, Ministère de la culture et de la communication.

Les images vieillissent autrement que ceux qui les font

cneai= — 2012-03-16T10:14:00Z

Aurélien Mole, école élémentaire Jean Rostand à Chatou

Le projet particulier et original de l'atelier photographique d'Aurélien Mole réunit trois partenaires, le Cneai, le musée Fournaise à Chatou et l'école Jean Rostand de Chatou.

Dans le fil d'une approche transversale et de pratiques complémentaires, Aurélien Mole, artiste mais aussi critique d'art, commissaire et photographe d'exposition, propose est une exposition collective et participative.

Son projet qui engage, dans un second temps, deux groupes de jeunes participants (deux classes de CM2 et CP-CM2) assume la logique médiatique de l'exposition qui se conçoit depuis la perspective du catalogue et des photographies qu'elle aura générées. C'est donc la photogénie d'une exposition qui est mise en jeu ou thématisée par Aurélien Mole. Les artistes Xavier Antin, Roxane Borujerdi, Aurélien Froment, Julien Nédélec, Julien Tiberi et Clément Rodzielski sont conviés à produire des travaux qui composeront l'exposition. Au travers de pratiques qui se déclinent via la sculpture, l'installation, le collage ou l'archive, chacun proposent une œuvre en dialogue avec une sélection de pièces issues de la collection du musée Fournaise. Le protocole est connu de tous en amont : ces relations d'œuvre à œuvre sont destinée à être photographiées par les seconds participants, finalité de l'exposition.

Rendre conscient de la subjectivité, de l'idée de déplacement, des modulations de l'espace représente sans doute l'enjeu de ce projet dans lequel les élèves peuvent intervenir et se mettre en scène. Dans l'action, il s'agira également d'expérimenter les contextes de prise de vues, les essais de lumières, la valeur du hasard comme celle de l'habileté et de la réflexion. Le catalogue est naturellement une œuvre « participative » définie par les élèves, et fait l'objet d'une présentation publique.

Exposition au musée Fournaise du 7 Janvier au 9 Avril 2012.

Le projet est soutenu par la Drac / Sdat, dispositif Ecriture de lumière et par l'inspection académique des Yvelines

Présentation du Cneai et de sa collection Fmra

cneai= — 2011-12-12T17:12:28Z

Elèves du lycée Richelieu, Rueil-Malmaison

Les élèves de 2nde, sous la direction de leur professeur, sont accueillis au Cneai. La rencontre commence par une présentation de la spécificité d'édition du centre d'art, de ses missions et des missions des centres d'art en général. La collection du Fonds Fmra, et sa typologie, ainsi que les dernières éditions réalisées par des artistes leur sont également montrées. Enfin, la visite se termine par un parcours commenté de l'exposition en cours.

éducation artistique avec Image, images

cneai= — 2011-11-16T14:08:00Z

Enseignants du 1e degré, Inspection académique des Yvelines

Dans le cadre du plan départemental pour l'Education artistique à l'école, l'Inspection académique propose aux enseignants du premier degré des Yvelines de s'engager sur le projet annuel intitulé Image, Images. En introduction à ce programme d'éducation à l'image, les enseignants participants viennent découvrir la spécificité et les missions du Cneai. Une présentation de projets d'artistes édités par le centre d'art, à travers un choix de publications, posters ou encore de projets en lignes, leur est montrée. Il s'agit ainsi pour eux d'appréhender les différentes techniques d'impression de ou reproduction existantes, leurs usages, et comment chaque technique définit un projet édité.

Ce sont 2 journées distinctes qui sont organisées pour les enseignants appartenant aux circonscriptions de Chevreuse, Guyancourt, Montigny et Viroflay, et à la circonscription de Montigny-le-Bretonneux.

Exposition Abstractions sentimentales et quelques éditions

cneai= — 2011-10-27T13:36:18Z

Etudiants de l'université Paris 1

Les étudiants de Paris 1 Panthéon-Sorbonne, en Licence 3 arts plastiques et Licence 3 métiers des arts et de la Culture, sont accueillis au Cneai le temps d'une visite commentée. Ils découvrent l'exposition intitulée Abstractions sentimentales et quelques éditions, réalisée par le Centre d'édition contemporaine (Genève).

L'occasion est aussi pour eux de prendre connaissance de la spécificité du Cneai, de son rôle dans le domaine de l'édition d'artiste ; et d'une façon plus générale de ses activités, tant dans le domaine de la création que celui de la médiation auprès des publics. Les étudiants sont invités par Françoise Julien-Casanova, maître de conférence , à rédiger un compte-rendu subjectif de cette visite. Certains des textes seront mis en ligne sur la plateforme Internet du Cneai.